Descripción enviada por el equipo del proyecto. Esta casa está ubicada en una tranquila zona residencial cerca del centro de la ciudad de Akashi, en la prefectura de Hyogo.
A pesar de que el terreno es pequeño, la casa de un nivel cuenta con tres patios. Estos patios responden a una búsqueda de luz solar, viento y estilo de vida. El diseño a pesar de ser muy privado, busca acercarse a la naturaleza, eliminando las barreras entre el interior y el exterior.
Dibujos
La estructura está dividida en 3 áreas, desde la entrada a la parte posterior de la casa, y cada área tiene un pequeño patio donde se puede disfrutar de un huerto privado. El primero de los patios es "un jardín con huerta", en donde se puede acceder a un cuarto que la familia puede usar libremente de estilo japonés, en el medio, un comedor semipúblico y "un patio para ver" y en la parte posterior, con un sector más privado y área para lavandería, el patio de "área seca".
En "un patio con huerta", para disfrutar de una cosecha, se planta un árbol de uvas. Para el cliente que ama la pesca, se hace un espacio donde puede controlar la flexión de la caña de pescar.
El "patio para ver", está diseñado para disfrutar del extraordinario paisaje, no solo al mediodía, sino que también por la noche gracias a su iluminación nocturna. Cuando los miembros de la familia se reúnen en la mesa, pueden ver el patio "área seca" gracias a unas ventanas perfectamente ubicadas que proporcionan vistas a la vegetación y a los cambios de luz durante el día. En el sector de la entrada, se ubica una estufa de leña. Esto se debe a que el cliente deseaba que los niños sintieran el sonido de la leña en invierno, y su diseño fue creado imaginando una reunión familiar en donde se cocinan papas asadas alrededor de la estufa a leña disfrutando de la temporada.
En cuanto a la luz natural, el diseño no solo toma la luz solar directa, sino que toma la luz del lado norte y el reflejo de la luz en la pared exterior, el sol de la tarde que fluye silenciosamente a las habitaciones en invierno, la luz mañanera que proviene de lugares inesperados y las olas de luz solar a través de los árboles. Esto sucede en el living comedor que está rodeado por 3 patios, envuelto por una luz suave y delicada.
En cuanto al exterior, la casa tiene una fachada cerrada para mantener su privacidad, pero su interior fue pensado para crear una sensación de vida cálida, con paredes exteriores rodeadas de vegetación y con una luz tenue que desciende de las ranuras de ventilación.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El Edificio Único es un conjunto de 12 departamentos distribuidos en 8 pisos, situado en el sector de Nueva Costanera. La simpleza de su volumetría rectangular se contrarresta con el meticuloso tratamiento de su envolvente, esto tiene por objetivo principal lograr un máximo confort interior y control de privacidad para los usuarios, evitando así que los habitantes resuelvan el problema incorporando elementos ajenos y dispares al proyecto. Esta intención se llevó a cabo a través de diseñar una segunda fachada que liberándose de la estructura principal permitiera lograr un gran confort térmico en las zonas opacas y un sistema dinámico de control solar y privacidad en los vanos, esto dio como resultado un particular contraste de una expresión petrea con el dinamismo de las persianas perforadas envolventes. Cintas metálicas continuas en cada piso conectan a las terrazas de la fachada oriente con la envolvente del resto del volumen, estas cintas incorporan además los rieles de desplazamiento de las persianas.
El proyecto fue concebido con los más altos estándares en materia de confort térmico pasivo de manera de minimizar la necesidad del uso de equipos de acondicionamiento térmico, para lograr lo anterior se incorporó poliuretano proyectado ignífugo en todas las fachadas, seguido de palmetas alveolares de terracota fijadas mediante perfiles metálicos para así lograr el efecto de fachada ventilada. Para el control solar se utilizaron ventanas tipo termopanel con cristal Low E, las cuales fueron antecedidas por persianas metálicas micro perforadas. Estos elementos cumplen un doble objetivo, en primer lugar estos elementos tamizan la luz y controlan la cantidad de calor que entra a cada recinto, además estos paneles le dan un juego cinético a las fachadas según la hora del día y según el uso específico que los propietarios le den a cada recinto.
En lo que se refiere a climatización se optó por la Aerotermia, tecnología que aprovecha la energía del aire exterior. Utiliza el ciclo frigorífico directo en refrigeración y el inverso para producir calefacción y agua caliente, mediante una bomba de calor independiente para cada departamento. El calor por Aerotermia es sustentable, y está calificado como energía renovable por la Unión Europea.
TEN Arquitectos ha publicado imágenes de su propuesto Edificio de Apoyo a la Investigación de la NASA en el Centro de Investigación Glenn en Cleveland, Ohio. Con motivo del 60 aniversario del diamante de la Agencia, el centro de investigación servirá como "una cara pública nueva y contemporánea para el hogar de las innovaciones aeronáuticas y aeroespaciales más prolíficas del país".
El centro de investigación de dos pisos y 60,000 pies cuadrados consiste en una serie de masajes rectilíneos posicionados para optimizar las adyacencias del programa, la interacción creativa y para acomodar espacios verdes públicos tanto en interiores como en exteriores.
Courtesy of TEN Arquitectos
Grandes volúmenes de vidrio y metal corrugado albergarán áreas de trabajo detalladas y fluidas, con una serie de oficinas abiertas y privadas, salas de conferencias, salas de capacitación y una tienda de intercambio en dos pisos. La luz natural se absorberá profundamente en el edificio mediante patios internos ajardinados de doble altura, que también sirven como lugares adicionales para reunirse.
Courtesy of TEN Arquitectos
Un elemento elevado, orientado de norte a sur en voladizo está diseñado para adaptarse a un comedor, un espacio de trabajo colaborativo y una galería que muestra una selección rotativa de artículos de los archivos de la NASA. La colocación de vigas expuestas reduce la necesidad de soporte estructural, por lo que "permite una transparencia que no solo inunda los interiores con luz sino que la conecta visualmente al campus con vistas de 270 grados".
Courtesy of TEN Arquitectos
La NASA forma parte de una "cultura del funcionalismo". Este nuevo edificio busca trabajar dentro del vocabulario de la infraestructura de investigación, como las impresionantes cúpulas, las caídas por gravedad y las tuberías que se entrelazan en todo el campus. Nuestra esperanza es que este edificio actuará como una plataforma para esta comunidad, conectándolos entre sí, a los recursos, a sus logros pasados y oportunidades futuras. -Andrea Steele, Socio, TEN Arquitectos
Courtesy of TEN Arquitectos
El centro de investigación fue diseñado para lograr la acreditación LEED plata, utilizando tecnología de la NASA, como paneles fotovoltaicos y pintura tnemec. Se prevé que la construcción inicie en septiembre de 2018 y que se finalice en 2020.
Francisco Javier Sáenz de Oiza. Image Cortesía de COAM
El arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza es, sin dudas, un personaje fundamental de la arquitectura española del siglo XX. Autor de obras como el icónico Torres Blancas y el actual Castellana 81, Sáenz de Oiza fue Premio Nacional de Arquitectura en dos ocasiones (1946 y 1954), Director de la Escuela de Arquitectura de Madrid (1981-1983) y un hombre que con su obra y reflexión marcó el ritmo del movimiento moderno en España.
Precisamente este año se cumplen 100 años de su nacimiento en la villa de Cáseda (Navarra) y para celebrar su centenario la XV Semana de la Arquitectura le rendirá un gran homenaje en una exposición que recopila toda su trayectoria. Se trata de Centenario Sáenz de Oiza. 1918-2018, una muestra a cargo de la Fundación Arquitectura COAM junto a la Dirección General de Arquitectura del Ministerio de Fomento, comisariada por sus hijos, los arquitectos Vicente, Javier y Marisa Sáenz Guerra.
La exposición abierta a todo público desde el viernes 28 de septiembre está desplegada en cuatro salas, recogiendo en orden cronológico tanto la obra construida como algunas ideas no realizadas de Sáenz de Oiza, junto a material diverso que acompañaba el estudio de su trabajo, además de sus objetos familiares y de afecto de su casa. Los comisarios abarcan desde las viviendas sociales del Madrid de los años 50 hasta las oficinas del Banco de Bilbao (actual Castellana 81), pasando por el Palacio de Festivales (Santander), el icónico edificio Torres Blancas y su propuesta para la Basílica de Aránzazu.
"Esperamos que esta primera acción proporcione una amplia visión de su modo de hacer e inquietudes, y sea además motivo de reflexión sobre el valioso patrimonio reciente que los maestros de la arquitectura del siglo XX han aportado y aportan a las ciudades", plantean los organizadores.
Conoce algunas de las obras presentes en la exposición, bajo el lente de la fotógrafa Ana Amado:
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Ubicado en un vecindario transicional y transitable cerca de un corredor urbano del centro de la ciudad, Space Pod - un apodo dado a esta estructura por los vecinos - actúa como un espacio multiusos para un joven arquitecto paisajista. Inspirado en las pinturas monocromáticas negras de Ad Reinhardt y Frank Stella, se seleccionó una paleta minimalista de materiales de hormigón, metal y vidrio.
Este proyecto fue diseñado para ser construido en fases y Space Pod es la Fase I. La Fase II consiste en una residencia unifamiliar. La ubicación de cada volumen en el sitio fue impulsada por el deseo de crear un espacio privado, lleno de sol, libre de grandes estructuras imponentes.
Planos
Con forma de escopeta, el nivel inferior del Space Pod alberga un garaje y un taller de bicicletas, mientras que el nivel superior es un lugar flexible que permite trabajar, jugar y relajarse. Esta segunda historia ofrece oportunidades para ver los Flatirons. La composición presenta sutiles texturas, perforaciones y transparencias, que se revelan a lo largo del ciclo del día.
Difícilmente asociaríamos la filosofía zen a la figura de Mies van der Rohe, y menos aún con el Pabellón Alemán en Barcelona. Sin embargo, Fifteen stones (Ryōan-ji), el proyecto del artista estadounidense Spencer Finch, precisamente establece esta conexión al intervenir el icónico pabellón.
Finch es el más reciente invitado por la Fundació Mies van der Rohe a "provocar nuevas miradas y reflexiones a través de su intervención en el Pabellón, potenciándolo como espacio de inspiración y experimentación para la creación artística y arquitectónica más innovadora". Así Finch se suma al selecto grupo de artistas y arquitectos integrado por SANAA, Jeff Wall, Ai Wei Wei, Enric Miralles, Andrés Jaque y Anna & Eugeni Bach, entre otros.
Ryōan-ji, "el templo del reposo del dragón", se encuentra situado en Kyoto (Japón) y la intervención de Spencer Finch evoca su célebre karesansui (jardín zen), considerado una de las obras maestras de la cultura japonesa. Sobre una superficie de grava blanca de 25x10m, casi las mismas dimensiones que el estanque del Pabellón Mies van der Rohe, se disponen quince piedras de tal manera que no es posible verlas a la vez, sea cual sea la posición de la observador. Esta composición abstracta de piedras en el espacio que incita a la meditación, está abierta a la interpretación, de la misma manera que Fifteen Stones.
"Esta intervención nos permite reflexionar sobre los aspectos más líricos de la obra de Mies van der Rohe y uno de los materiales más destacados del Pabellón, la piedra, en este caso en su estado natural y estableciendo un diálogo con el travertino cortado, pulido y colgado que forma las paredes, el pavimento y el banco desde el que se observa la composición", plantea la fundación en un reciente comunicado de prensa.
Respecto a su intervención, el artista Spencer Finch comentó:
El Jardín Ryōan-ji de Kyoto y el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona son dos de mis lugares favoritos del mundo. A pesar de sus muchas diferencias, por mí son increíblemente similares por el hecho de generar pensamiento en cuanto a seres humanos viendo y moviéndonos por el espacio
El proyecto podrá ver desde hoy hasta el 21 de octubre en el Pabellón Mies van der Rohe. 'Fifteen Stones (Ryōan-ji)' se enmarca dentro del Swab Barcelona Art Fair, la Bienal Internacional de Paisaje de Barcelona, la Bienal de pensamiento ‘Ciutat Oberta’ y en la agenda de Barcelona Gallery Weekend.
Via <a href='https://thenounproject.com/'>The Noun Project</a>
El título lo dice todo: si te acuerdas de las largas horas que pasaste navegando por la web en búsqueda de imágenes sencillas para el diseño de esquemas y diagramas de representación arquitectónica -una pertinente forma de expresión para optimizar la organización, el análisis y la comunicación- la biblioteca universal online de iconos para descargar que puedes encontrar en The Noun Project te puede ser de mucha utilidad.
Pero el título está mal. Más de un millón de dibujos generados por una comunidad global se presentan en esta galería de "Iconos para todo", que puedes utilizar otorgando el crédito al autor según las condiciones específicas de atribución de la licencia Creative Commons, o pagando una importe sugerido por cada diseño.
¿Y por qué íconos? son una especie de lenguaje visual universal, una excelente forma de comunicación directa para cuando faltan las palabras -o traducciones- a través de las fronteras del mundo.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El Auditorio Nacional es reconocido como el recinto más importante para la industria del espectáculo en México, sobresale entre los tres mejores foros del mundo en su género y es referencia y escala obligada para artistas nacionales y extranjeros. El edificio, obra del arquitecto Teodoro Gonzales de León, refleja la fuerza, expresión y monumentalidad característica en su obra. El área de intervención ubicada bajo una gran escalera, es un espacio con carácter icónico por su forma curva.
Tres gestos rotundos de geometría pura y simple componen el espacio; el plafón en forma de arco, la barra de concreto estriado de expresión racional y por último la contrabarra de latón. El proyecto de carácter atemporal, tiene una cromática neutra donde contrastan los reflejos del paflón creados a partir de la repetición de una pieza artesanal de cerámica esmaltada de tono cobrizo. Esta pieza fue diseñada especialmente para el recubrimiento de la bóveda.
La contrabarra, fabricada en latón al alto brillo, es el remate visual y otro elemento de contraste y luminosidad dentro de un espacio de tonos oscuros y neutros. Dos grandes columnas circulares que soportan la escalera, se integran y reflejan la expresión rugosa presente en la materialidad del recinto.
Suhewan Skyscraper. Image Courtesy of Foster + Partners
Se ha comenzado a trabajar en el rascacielos Suhewan de 200 metros de Foster + Partners en Shanghái. Diseñada como parte de un plan de regeneración más amplio, la torre de 42 pisos se construirá para la empresa de desarrollo de propiedades China Resources Land. La primera torre de oficinas en el distrito residencial, el proyecto es parte de un movimiento más grande para convertir a Shanghái en un centro financiero y tecnológico superior para 2020. Diseñado como un desarrollo histórico en el Complejo Urbano Este de Suhewan, el rascacielos se abrirá hacia las vistas de Pudong , Bund y el río Huangpu.
Suhewan Skyscraper. Image Courtesy of Foster + Partners
Diseñada como un fondo animado para el parque, la torre ya ha arrancado el terreno y contará con ascensores escénicos que se elevan hasta la azotea. Junto a un nuevo parque Suhewan y un complejo comercial subterráneo, está diseñado para introducir una mezcla más rica de funciones en el área predominantemente residencial de la ciudad. El Suhewan Skyscraper espera traer nuevos negocios al área al tiempo que alude a la estética industrial de los puentes y edificios cercanos. Gerard Evenden, director de estudio de Foster + Partners, dijo que: "El proyecto China Resources Land Suhewan ocupa un lugar central en la ciudad, como un área de rápido crecimiento para nuevos negocios. En consonancia con la visión de futuro de la ciudad para el área, nuestro objetivo ha sido proporcionar un hito moderno inspirado en su rica historia y pasado industrial ".
Suhewan Skyscraper. Image Courtesy of Foster + Partners
Suhewan Skyscraper. Image Courtesy of Foster + Partners
Con una estructura expresada y acristalamiento oscuro, la torre se creó para crear un contraste entre el vidrio y el marco estructural de acero inoxidable. Se divide efectivamente en dos alas, ya que las secciones centrales de la fachada oeste del edificio están empotradas para permitir que la luz natural inunde los espacios de oficinas. En el interior, las plataformas flexibles se adaptan a una variedad de diseños de tenencias individuales a múltiples. Como dijo Evenden, "Diseñamos el edificio para adaptarse a la naturaleza cambiante del lugar de trabajo. Las plataformas de piso han sido diseñadas para mejorar la convivencia y la comunicación, con especial énfasis en la luz natural, ya que las organizaciones buscan espacios más abiertos para trabajar".
Hace no mucho tiempo leíamos en uno de los textos ganadores del Concurso Nacional de Crítica: “En Chimbote, la ciudad que creció dándole la espalda a su bahía, formada por la búsqueda de una vida económicamente productiva, no hay mucho que hacer, no hay mucho con lo que divertirse. Y esto no solo por la poca oferta de locales para actividades culturales o de recreación, sino porque en la misma calle, en el espacio público, no hay mucho con lo que encontrarse. Parece difícil que esta situación cambie a la hora de construir la ciudad (…) en una ciudad que se volvió aburrida, útil solo para una precaria producción económica, en la que la calle es solo un espacio de tránsito, de ir y venir sin mayor emoción (…). Ojalá que el aburrimiento no nos quite la capacidad de imaginar nuevas formas de crecimiento para nuestra ciudad”. Una severa y retadora crítica hacia el devenir.
Ahora, este proyecto aparece como una respuesta mostrando otras formas de ver, vivir y crecer para esta cálida ciudad de la costa norte del Perú. Es una forma de redescubrir un emocionante Chimbote de colores, y es lo que nos da gusto presentar y destacar en esta publicación: la contracara, las acciones de reacción frente a las críticas o precisamente lo que un pensamiento crítico puede llegar a hacer. Además de ser –un respiro– un ejemplo replicable de pequeñas grandes obras a ejercer en ciudades de otras partes del país, que no sean Lima.
Esta propuesta fue parte del reciente III Foro de Intervenciones Urbanas, 100En1Día sostiene más de 100 intervenciones urbanas en un día. No se trata de intervenciones físicas, en su mayoría no son construcciones que se puedan tocar; se trata más bien de intervenciones intangibles y efímeras que dejan un impacto positivo y en conjunto crean una nueva atmósfera de una ciudad en movimiento que pone en práctica diversas actividades en el espacio público para mejorar su calidad urbana. Veamos a detalle de qué se trata.
100En1Día es un movimiento internacional creado y autogestionado por ciudadanos que busca reunir más de 100 intervenciones urbanas en el mismo día a fin de promover la participación activa de la ciudadanía. En marzo del 2018, llegó por primera vez a la ciudad de Chimbote, convirtiéndola en la segunda ciudad del Perú en acoger este movimiento, logrando reunir 146 intervenciones urbanas gracias a la participación de instituciones públicas y privadas, organizaciones civiles, artísticas y culturales y de ciudadanos independientes que se sumaron al festival.
Cortesía de 100en1díaChimbote
100En1Día nace en Bógotá en el año 2012 cuando dos agrupaciones, una de Colombia llamado en su momento Acciones urbanas y un grupo de estudiantes del Team 17 de la escuela danesa de negocios Kaospilot, se reúnen para trabajar en seis intervenciones urbanas. Pero en el proceso entienden que lo realmente importante era involucrar a la población. Para ello seis intervenciones no serían suficiente, es así como se plantean el reto de realizar 100. Actualmente, este movimiento ya se ha difundido en 49 ciudades en el mundo.
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El objetivo es mostrarle a la población que todos somos generadores de cambio y que tenemos la capacidad de transformar nuestra realidad, y por lo tanto nuestras ciudades, tomando acción con nuestras propias manos trabajando juntos. Es por ello que cada intervención es diseñada y autofinanciada por los mismos participantes, incentivando de esta manera la creatividad y el apoyo mutuo para la obtención de recursos.
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100En1Día cuenta con una metodología guía que cada ciudad adapta a su contexto. En Chimbote, entendimos que debíamos difundir dando el ejemplo y así nos convertimos en los primeros interventores del proyecto. Realizamos entrevistas e intervenciones en plazas y centros comerciales. También desde el inicio realizamos conciertos pro-fondos para asumir los costos de difusión y coordinación.
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Las intervenciones se desarrollaron a través de talleres “creatorios”. Éstos son espacios de intercambio y co-creación entre los interventores donde la población libremente se involucra con algún tema social, ambiental, político o cultural de su interés, donde el juego y la experimentación son fundamentales para el éxito de cada una de ellas. Cada intervención fue gestionada y autofinanciada por los participantes.
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Además de las 146 intervenciones que conformaron el festival ciudadano, logramos la peatonalización de la calle más concurrida y comercial de la ciudad, el Jirón Leoncio Prado. Este es un proyecto municipal que aún no ha sido aprobado pero que fue puesto a prueba por un día gracias a este proyecto.
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Otro gran logro fue la visibilización conjunta de más de 40 colectivos y organizaciones civiles, artísticas y culturales que confiaron en este movimiento. Esto es, la visibilización de un gran número de ciudadanos que ya trabaja día a día por transformar Chimbote.
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100 En 1 Día es un proceso de redescubrir la propia ciudad, algo tan importante sobretodo al interior del país que suele mirar hacia Lima cuando se habla de cultura y eventos de gran magnitud como este. Sin embargo ya son tres las ciudades del Perú que se han sumado al movimiento y sabemos que se sumarán más.
Descubrirse a uno mismo como generador de cambio y descubrir una red de personas que apuestan por los mismo ideales es motivo suficiente para creer que es posible tener mejores ciudades en un futuro cercano.
0. Image Cortesía de 100en1díaChimbote
Proyecto: 100 En 1 Día Chimbote 2018 Ubicación: Chimbote, Perú Coordinadora general: Jessica Isabel Alvarez Cueva Logística: Mercedes Beatriz Palacios Rabanal, Miguel Angel Olivares Rodríguez Financiación: Greysse Katherine Horna Pinazo, Valeria Noriega Mendo Comunidad y Documentación: Carolina Sthefany León Ojeda, Cecilia Córdova Sánchez, Pierina Vanessa Mendoza Moncada Redes sociales: Martín André Peña Mendez Producción audiovisual: Germán Eduardo Vargas Pera
Instituciones aliadas: Municipalidad Provincial del Santa Centro Cultural Centenario Adagio - Centro Experimental de las Artes
Instituciones auspiciantes: Municipalidad Provincial del Santa Centro Técnico Productivo Rosa Merino Center Mercelab Grupo Quipa Vivi - Papelería y Novedades Machineros Bar Dulce Azul Grupo Soreli
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La primera casa diseñada y construida por nuestro estudio de arquitectos se encuentra en un pequeño terreno entre Kopřivnice y Štramberk. Fue construido en una antigua área de recreación donde crecía un viejo y grande castaño en un campo desbordado. Este hermoso árbol fue un punto focal para esta propiedad y por lo que la casa se hizo conocida.
La pequeña área, la orientación de la tierra y la ubicación del castaño claramente determinaron la atmósfera general. La casa de color marrón oscuro rodeada por el exuberante paisaje verde refleja un castaño que sale de su concha verde espinosa. Está construido de madera sin tratar, con forro quemado para complementar el castaño macizo.
La casa independiente está construida en 2 secciones, una sala de estar más grande y un área técnica más pequeña. Ambas secciones comparten un techo, que techo también cubre la mitad de la terraza y la entrada con garaje. El vestíbulo que conecta las 2 secciones es multifuncional, pues protege principalmente la entrada tanto a la sala de estar como a la zona técnica, pero también funciona como un depósito de madera y una zona de asientos cubiertos donde se puede disfrutar de una taza de café.
Encima del vestíbulo y la cocina, en la sala de estar más grande hay un altillo que cumple la función de dormitorio para los huéspedes. Todo este espacio está abierto hasta el techo. El lado este de la casa se extiende más alto que el oeste y está cubierto de ventanas, principalmente para el sol de la mañana, pero también para generar una vista de la famosa torre Štramberk. Una pequeña pasarela conecta esta sala de estar principal con las habitaciones y el baño. Al final de la caminata está el dormitorio principal con armario empotrado. En un lado del pasillo está el baño separado del WC y en el lado opuesto está la habitación del niño que se divide en 2 espacios, el área para dormir está en un piso superior y el área de estar está debajo.
Esta casa fue construida usando marcos de madera con un esqueleto de acero. Se sienta sobre soportes de hierro y hormigón y tiene un espacio accesible para silla de ruedas. Todos los materiales se obtuvieron localmente, siempre que fue posible, con énfasis en los materiales naturales.
Toda la casa fue construida para ser compacta y funcional. Un legado de la arquitectura original de Valaquia construida a partir de fuentes locales y materiales naturales con la máxima autosuficiencia.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. El alto diseño y la riqueza de esta cultura ancestral fueron el estandarte de este proyecto. Casa Oaxaca genera experiencias únicas de lujo y armonía atemporal.
Nace de la inquietud de los clientes a crear una vivienda con materiales de bajo mantenimiento y con acabados simples que fueran en su mayoría originarios de Oaxaca.
Algunos de los materiales utilizados para cumplir con dicha solicitud fueron concreto aparente en gran parte de los muros, piezas de terrazo elaborado de manera artesanal por maestros oaxaqueños aplicado tanto en pisos como en muros y para toda la carpintería madera de Huanacaxtle que tenía el propietario almacenada para darle un segundo uso.
El aspecto formal fue resultado de la idea rectora de la casa: obtener la mayor cantidad de luz natural hacia todo el interior a través de una apertura que cruza el volumen completo que conforma la casa de piso a techo. Para modular la temperatura y la intensidad de luz en dicha apertura, se creó una celosía construida con otro material simple y de bajo mantenimiento como lo es el adoquín perforado.
Planta Baja
La herrería jugó un papel fundamental en todo el desarrollo de la casa, tanto estructuralmente como en los acabados exteriores e interiores, siempre siguiendo el criterio de formas simples y de bajo mantenimiento.
Todos los muros aplanados interiores fueron hechos con la técnica tradicional de “encalado”, con el fin de que se apreciara la pátina natural que van adquiriendo los muros de este tipo con el paso del tiempo, y que fuesen los muros mismos testigos no sobornables de la vida e historia de la casa.
La primera vista, al aproximarse desde el aire a CDMX, es abrumadora. Un mar de edificaciones indica que estamos llegando a la quinta capital más poblada del mundo.
Ubicada en una posición geográfica estratégica dentro de las rutas tradicionales del diseño, la ciudad se beneficia de las conexiones e interacciones cercanas con América del Norte y Europa. Afortunadamente, éstas tendencias externas, son depuradas con el filtro de lo local; la vasta historia y tradición de las culturas originarias de México permea las influencias foráneas para volverlas creaciones únicas, con marcado interés por los materiales nativos y sus técnicas de trabajo.
Cortesía de Danae Santibáñez
Arquitectura, Diseño, Cocina, Arte, Música, entre otras expresiones creativas, se exhiben tanto en museos y galerías, como en la ciudad misma. Los registros de la Fundación UNAM, indican que Ciudad de México cuenta 170 museos y 43 galerías, ofreciendo una alta oferta de oportunidades para exhibir y experimentar diseño en la ciudad. En forma paralela, la gentrificación ascendente en colonias como; Doctores, Obrera, Tabacalera, entre otras, ha generado cambios en los usos de suelo impactando en formas positivas y negativas. Dentro de lo bueno, ha dado paso a la rehabilitación arquitectónica de edificaciones industriales que introducen programa mixto; vivienda, servicios y cultura.
Cortesía de Danae Santibáñez
Cortesía de Danae Santibáñez
El equipo de Design Week México, que trabaja desde 2009 promoviendo el diseño local, en conocimiento de la interesante escena del diseño en la ciudad, pidió apoyo del gobierno para postular a CDMX como Capital del Diseño 2018 ante la World Design Organization (WDO), convirtiéndose en la sexta ciudad, la primera en América, en recibir ese reconocimiento.
El programa World Design Capital promueve y fomenta el uso del diseño para potenciar el desarrollo económico, social, cultural y ambiental de las ciudades del mundo. Se definen como una organización “enfocada en profundizar la experiencia de habitar y transformar la ciudad a través de exposiciones y eventos culturales.” Para lo cual, orientaron la convocatoria en seis ejes temáticos; habitante, espacio público, medio ambiente, movilidad, identidad, y economía creativa. Las actividades se iniciaron en marzo de este año y culminan en octubre, con la inauguración de la décima edición de Design Week México.
Cortesía de Design Week Mexico
Las próximas actividades se concentrarán entre los días 10-14 de octubre. Destacando Proyecto Tamayo, Inédito y Visión & Tradición. Para mayor información, pueden revisar directamente la programación online de World Design Capital y Design Week México.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Hyderabad es una de las ciudades de más rápido crecimiento en la India. La parte mas antigua de la ciudad está estancada en el espacio, mientras que el desarrollo de la parte más moderna se mueve rápidamente. Los altos precios de la tierra por aquí son el resultado directo de esto.
En India, las familias son muy unidas, a menudo permanecen juntas durante generaciones. Nuestros clientes son una de esas familias de tres generaciones (y una posible cuarta en el futuro cercano) que se muda a esta nueva parte de la ciudad. Las parcelas disponibles aquí obligan a apartarse del estilo de vida amplio y horizontal al que antes estaban acostumbrados, y pasar a un asentamiento más vertical.
El sitio es modesto, de 60x75 pies en un diseño denso de departamentos de cinco pisos de altura. Se encuentra al borde de las carreteras en el norte y el oeste, siendo estos los únicos lados que no tienen edificios en las proximidades. La idea desde el principio siempre ha sido mantener viva la conexión entre las generaciones de ahora y en el futuro.
La noción general de un departamento es asignar privacidad entre sus unidades, por lo que tuvimos que mutar esta idea en un modelo que proporcione privacidad y al mismo tiempo mantener a la familia conectada. Esto se logró mediante la apertura de espacios habitables en grandes patios abiertos de doble altura en la naturaleza que ofrecen conectividad entre niveles y que impiden el aislamiento social con la familia. Estos reducen la escala del edificio visualmente y se abren en las esquinas con más fachada en el noreste y el noroeste.
El pilote se deja para el estacionamiento y las habitaciones de servicio, mientras que el primer piso es asignado para la generación más antigua. El piso siguiente es ocupado por la generación del medio y la generación más joven tiene los dos últimos pisos con espacio dejado para una generación futura, utilizada por el momento como espacios de recreación. Cada piso tiene acceso a una cancha verde cubiertas con rejillas de metal y paredes perforadas para crear privacidad con las propiedades adyacentes. A través de estos espacios, es posible caminar hacia el balcón, conversar, leer y asimilar los aromas de la comida que se prepara en la cocina de abajo. Este espacio también tienen grandes proyecciones como espacios para el yoga, la oración o la cena; dependiendo del nivel.
Todos los niveles están abiertos entre ellos, conectados a través de grandes espacios centrales de doble altura, que contienen escaleras internas que conducen al nivel superior en cada uno. Las paredes se mantienen completamente blancas para mejorar la amplitud, con una cúrcuma amarilla o naranja terroso que resalta algunas paredes para crear profundidad visual y contraste. Las puertas y ventanas son de teca decorada de color blanco. El gran pavimento de concreto a base de poliuretano tiene una pigmentación más clara para el tono más oscuro de los dos pisos superiores.
Los muebles se mantienen al mínimo para evitar el desorden en el interior. La mayor parte de la paleta interior es de naturaleza ligera, excepto la habitación en el cuarto nivel con piso de madera que tiene un patio iluminado por sí mismo.
El Ayuntamiento de Madrid a través de Oficina de Concurso de Arquitectura de Madrid del Colegio Oficial de Arquitectura de Madrid (COAM) abrió un concurso para diseñar tres bibliotecas municipales en la capital española.
Como conclusión de una investigación encargada por parte de la Dirección General de Bibliotecas, Archivos y Museos y el Servicio de Bibliotecas Públicas, "se detectó la necesidad de ampliar la actual red de bibliotecas públicas municipales. Este análisis se vio reforzado por las peticiones de la convocatoria de los Presupuestos Participativos de los distritos en 2016, ya que la amplia mayoría de los centros detectados en este informe fueron refrendados por la petición ciudadana", explican las bases.
El concurso permitirá la selección de "las mejores propuestas para la contratación de la redacción de los proyectos y dirección de las obras de construcción para cada tres lotes: Biblioteca Municipal de Las Tablas, Biblioteca Municipal de Montecarmelo y la Biblioteca Municipal de Villaverde.
A continuación, un extracto de las bases:
Podrán concurrir al presente concurso, individualmente o formando equipos, todos los arquitectos que tengan plena capacidad de obrar y no se encuentren incursos en las prohibiciones e incompatibilidades para contratar con la Administración según la Ley 9/2017, de 8 de noviembre, de Contratos del Sector Público. Se consideran arquitectos facultados legalmente para ejercer en territorio español a aquellos que están en posesión del título de arquitecto, bien español, bien legalmente reconocible (títulos de la Unión Europea, Islandia, Liechtenstein, Noruega y Suiza) u homologado al español.
Para cada uno de los tres lotes, cada participante sólo podrá formar parte de un único equipo, bien sea como titular o como colaborador, y sólo podrá presentar propuesta a un único lote.
Documentación a entregar por los concursantes
Sobre 1: Documentación impresa: tres (3) paneles tamaño DIN-A2.
Sobre 2: Documentación en CD o USB: Reproducción de los paneles y dossier escrito.
Sobre 3: Documentación administrativa:
- Boletín de inscripción (anexo 1)
- Declaración responsable de incompatibilidad (anexo 2)
- Declaración responsable (anexo 3)
- Compromiso de constitución UTE (anexo 4)
- Compromiso de adscripción medios personales (anexo 5)
- Declaración responsable cumplimiento obligaciones para contratar con la Administración (anexo 6)
Para cada uno de los lotes se entregarán los siguientes premios:
Primer Premio: 33.000 € más encargo de proyecto y dirección de obra. Segundo Premio: 3.300 € Tercer Premio: 1.650 €
Descarga la información relacionada a esta concurso aquí.
Título: Ayuntamiento de Madrid y COAM abren concurso para diseñar bibliotecas municipales en tres distritos
Tipo: Anuncio de Concurso o Licitación (Proyectos a construirse y Master Plans)
En ArchDaily en Español estamos conscientes de la necesidad de estar en contacto permanente también con los estudiantes de arquitectura, quienes serán los encargados de diseñar y construir las ciudades del futuro. Por este motivo, abrimos el nuevo ciclo de convocatorias para ser parte de nuestro equipo editorial, a través del programa de pasantías en ArchDaily.
Si actualmente resides en España, esta podría ser tu oportunidad de aportar con contenido local a la plataforma más visitada a nivel mundial y que inspira e informa a cientos de miles de arquitectos y arquitectas alrededor del mundo. Si estás interesado/a, sigue leyendo a continuación.
En un periodo de seis meses* podrás conocer de cerca cómo funciona la red de sitios web de arquitectura más visitada en el mundo. También participarás en la discusión de temas atingentes a nuestra profesión y la generación directa de contenidos, apoyados por nuestro equipo editorial. Conocerás las últimas noticias del mundo de la arquitectura. Aprenderás a coordinar proyectos editoriales al interior de ArchDaily en Español y podrás estar a cargo de una de las secciones que forman parte de nuestra línea editorial.
Estos son los requisitos que debes cumplir para postular
Residir en España desde el momento de la postulación hasta Abril de 2019.
Poseer un amplio conocimiento del acontecer arquitectónico español contemporáneo.
Desarrollar una excelente capacidad de redacción y síntesis de ideas. Se valorará contar con experiencia en blogs, textos universitarios, crónicas personales.
Estar cursando al menos tu segundo año en la Universidad.
Poder trabajar desde tu casa, lugar de estudio o de trabajo.
Dedicar un mínimo de 16 horas a la semana a tu pasantía, considerando que el horario es flexible y las tareas asignadas se coordinarán con el equipo de ArchDaily en Español.
Contar con conocimientos intermedios en WordPress, Photoshop y AutoCAD.
Conocer cómo funcionan las redes sociales como Facebook y Twitter.
Las fechas importantes que debes tener en cuenta
Postulaciones vía formulario: lunes 17 de septiembre al domingo 07 de octubre 23:59pm ES Contacto con preseleccionados: lunes 08 de octubre Entrevistas vía Hangouts: jueves 11 y viernes 12 de octubre Pasantía Editorial: jueves 01 de noviembre al martes 30 de abril de 2019*
(*): La pasantía tiene una evaluación de continuidad a fines de enero.
Título: España: ¡Sé parte de la cuarta Pasantía Editorial de ArchDaily en Español!
Tipo: Convocatorias
Organizadores: ArchDaily en Español
Plazo De Inscripción: 07/10/2018 23:59
Lugar: España
Restricciones Geográficas (Restricciones Por País): España
Descripción enviada por el equipo del proyecto. SALA CLINIC no es una clínica dental al uso. Es un Instituto Odontólogico, y esto es lo que debía percibir el visitante a través del diseño interior. Iván Cotado es INteriorista EStratégico. Su objetivo pasa precisamente por ayudar a sus clientes a conseguir, mediante el diseño interior de sus negocios, sus propios objetivos empresariales. Es decir, en este caso, conseguir que una clínica dental se perciba como un pequeño hospital especializado en salud estética dental.
Para ello, el INteriorismo EStratégico cuenta con multitud de herramientas, tanto funcionales como sensoriales. Uno de los principios del marketing es la diferenciación. En un mundo saturado y competitivo como el actual debes ser bueno y ser diferente al resto de competidores, pero además debes parecer bueno y diferente. Ser y parecer. Esa es la cuestión. Es decir, calidad y percepción.
En SALA CLINIC la percepción diferencial se respira en cada rincón. Empezando por la huida de todo tipo de cliché sectorial, algo común a todos los diseños de Iván Cotado. La planta habitual de una clínica, ortogonal, con una aséptica y triste sala de espera y un largo pasillo hacia el «inevitable dolor», es traicionada aquí con una planta irregular de formas caprichosas que no lo son tanto, ya que en todo momento recuerdan un patrón.
Siguiendo con las percepciones, una homogénea paleta cromática nos recuerda que estamos en un espacio sanitario, cuya frialdad se reduce con la introducción de la madera acabado roble, que a su vez aporta profesionalidad, calidez y cercanía. Todos ellos atributos de SALA CLINIC.
Por último, todo buen INteriorista EStratégico ha de tratar de generar algún elemento icónico en sus diseños. Porque lo interesante de un negocio no es que el cliente venga, sino que vuelva. Y para conseguir fidelidad, entre otras muchas cosas como la calidad o el buen servicio, es necesario generar recuerdo. Y no hay como un elemento icónico para ello.
Sin duda lo más reconocible de SALA CLINIC es ese patrón triangular que nos recuerda a una dentadura perfecta en la que, cuando se cierra, todo encaja al milímetro. Esto es lo que Iván Cotado suele llamar metáfora arquitectónica, el camino más corto y sutil para recordar un espacio.
Esta metáfora arquitectónica se introduce en la sala de espera, donde se enmarcan «sonrisas perfectas» para contrarrestar el estrés del paciente. Se replica de forma más gráfica en el paramento vertical divisorio. Se mantiene en la propia distribución y se confirma en el patio central, que a través de la descontextualización, genera una agradable sorpresa en el paciente de camino al box. El patio, con una parte funcional obvia en cuanto a la distribución, y otra sensorial e icónica, es toda una declaración de intenciones. Es la confirmación de que SALA CLINIC no es una clínica al uso, es un Instituto Odontológico.
Otros Arquitectos: Robert Wibmer, Christoph Neuner, Andreas Norz, Harald Brutscher, Monica Sferch
Concepto Creativo: Neal Callow, Tino Schaedler and the team at Optimist Inc.
Courtesy of obermoser arch‐omo zt gmbh
Descripción enviada por el equipo del proyecto. 007 ELEMENTS es una nueva instalación cinematográfica de James Bond construida dentro de la cumbre de la montaña Gaislachkogl, a 3.040 m sobre el nivel del mar en Sölden, Austria. Esta experiencia única para los visitantes se abrió el 12 de julio de 2018, y el edificio de 1.300 m2 se encuentra junto al llamativo restaurante ice Q que se utilizó en la 24ª película de James Bond Spectre como Hoffler Klinik.
Courtesy of obermoser arch‐omo zt gmbh
Se llega a 007 ELEMENTS a través del teleférico Gaislachkoglbahn de alta velocidad. El arquitecto austríaco Johann Obermoser diseñó y construyó tanto el restaurante ice Q como el teleférico Gaislachkoglbahn. Usando su vasta experiencia en construir en altura, al desarrollar el concepto arquitectónico para 007 ELEMENTS, Obermoser tomó las señales del trabajo del legendario diseñador de producción de James Bond, Sir Ken Adam, para construir un ambiente similar al de Bond, diseñado para hacer sentir a los visitantes como si estuvieran caminando por el mundo de 007.
La experiencia de 007 ELEMENTS fue diseñada y desarrollada por el director de arte de James Bond, Neal Callow, junto con Tino Schaedler, director de diseño de Optimist Inc., una agencia creativa líder a nivel mundial. Callow y Schaedler colaboraron estrechamente con el arquitecto Obermoser y su equipo para diseñar todo el proyecto simultáneamente. El edificio a medida fue creado específicamente para albergar la experiencia 007.
Los imponentes ángulos de la arquitectura complementan el impresionante panorama de la montaña, mientras que las ventanas grandes enmarcan las vistas de los Alpes Ötztal y los lugares utilizados en la creación de Spectre. La mayoría de la instalación se encuentra dentro de la montaña, con solo la entrada, salida, dos ventanas proyectadas y la Plaza expuesta al exterior. El edificio está estabilizado a 1ºC, para no afectar el permafrost.
Una paleta reducida de materiales arquitectónicos de hormigón, acero y vidrio se utiliza en todo el museo de acuerdo con la identidad de marca moderna de 007. 007 ELEMENTS cuenta con nueve cámaras diferentes, o galerías, así como una plaza exterior. Cada galería muestra los elementos fundamentales que definen una película de Bond y explora el legado de la realización de películas de 007 con un enfoque especial en Spectre.
GALERÍAS Y ESPACIOS 1. Cañón de la pistola (Barrel of the Gun) 2. Plaza 3. Lobby 4. Guarida (Lair) 5. Sala de reuniones (Briefing Room) 6. Tech Lab 7. Salón de acción (Action Hall) 8. Sala de proyección (Screening Room) 9. Galería Legacy (Legacy Gallery)
Los visitantes realizan un viaje multisensorial, con paisajes sonoros emotivos, espectacular iluminación programada y proyecciones visuales de alta calidad. La estructura de la narración, el ritmo de los espacios dentro del edificio y el movimiento entre la luz y la sombra están diseñados para brindar a los visitantes una experiencia más cercana a una película que un museo tradicional. Tanto una experiencia inmersiva como informativa, 007 ELEMENTS extrae los fundamentos experienciales de una película de Bond y les da vida utilizando tecnología innovadora, presentación teatral e instalaciones interactivas.
Descripción enviada por el equipo del proyecto. La Galería Édron es la primera intervención al antiguo edifico corporativo de Grupo Predeco, una empresa que fabrica y comercializa elementos y materiales constructivos en el sureste mexicano desde hace más de 40 años. Édron es una marca de Predeco especializada en adocretos. El objetivo del proyecto era adaptar un espacio existente para exhibir sus productos. Sin embargo, la estrategia fue hacer una intervención más compleja en la que se pudieran mostrar otras formas de aplicar sus piezas, y cómo éstas podrían aportar al lenguaje arquitectónico y a la imagen urbana regional, así como resaltar su capacidad para generar experiencias sensoriales.
Planta Baja
El edificio del que forma parte la Galería estaba subutilizado debido a una reubicación de las oficinas corporativas, cuyo uso se redujo a un punto de venta y a una oficina de auditoría que estaban dispersas entre sí. El proyecto incorpora una sala de exhibición a los espacios antes mencionados, y los concentra en un área más pequeña, liberando el resto de la construcción para una segunda etapa en la que se incorporarán nuevos usos, aprovechando la vocación comercial del terreno.
La intervención consistió en construir 2 muros paralelos a las banquetas para lograr un espacio de transición entre la construcción existente y la calle a manera de atrio, en el que se distribuye el acceso a la sala de exhibición cerrada y a unas escaleras nuevas que llegan a la azotea, la cual se plantea como un área de exposiciones temporales al aire libre en la que se pueden realizar eventos nocturnos. En el área de la azotea se construyó la oficina de auditoría y un baño. El atrio cuenta con una fuente/jardín acuático que refresca el aire, genera sonido, atrae aves y controla la natalidad de mosquitos. Desde este punto se ingresa a la sala de exhibición, un espacio amplio y versátil en donde se exponen los productos de forma museográfica, el cual convive con el mostrador, las cajas de cobro, sala de espera, sala de juntas, oficina de gerencia y sanitarios.
Conforme se recorre el edificio se interactúa con los elementos que oferta la marca, con los cuales se realizó la totalidad del edificio. Éstos se aprecian en las banquetas, estacionamiento, acabados en muros y pisos, jardines y mobiliario urbano. Entre ellos resalta el adocreto rectangular de 10x20x6cm con el que se formaron los muros nuevos que envuelven el edificio, aplicados con la lógica de los tabiques de barro, pero con un producto derivado de la piedra caliza que abunda en el territorio. Su despiece forma vacíos en zonas estratégicas que permiten el paso del aire y la luz natural al interior, y funcionan como protectores contra el vandalismo y rompe vientos de huracanes. En interiores se utilizó un estuco bruñido en muros y plafones. Los pisos interiores son de concreto blanco desbastado. Todos los materiales de origen pétreo elegidos se utilizan de forma aparente para ahorrar en mantenimiento, y en una misma tonalidad para dar un sentido de unidad. Éstos contrastan con elementos metálicos en color negro que responden a temas de identidad corporativa.
El proyecto eliminó los cajones de estacionamiento sobre la avenida, para la construcción de una banqueta transitable equipada con mobiliario urbano, iluminación y vegetación endémica. En la esquina se generó una plazoleta de acceso a la sombra de árboles existentes. Con estas intervenciones se buscó aportarle a la ciudad infraestructura urbana que favorezca los desplazamientos peatonales.
La Universidad de la Nación, Máxima Casa de Estudios y Alma Máter son tan sólo algunos sinónimos con los que se le denomina a la Universidad Nacional Autónoma de México, rankeada como una de las mejores universidades en Iberoaméricadonde se han formado distinguidos intelectuales; es así como ineludiblemente se piensa en La Universidad como crisol del pensamiento crítico y plataforma de ideales disidentes que han permeado en los movimientos estudiantiles, cuyas demandas oscilan entre peticiones a favor de la constante mejora de la educación hasta el descontento social por cuestiones como la inseguridad y la exigencia hacia la dignidad de la comunidad estudiantil. No sorprende pues, que eventos como el que tuvo lugar el pasado 3 de septiembre y los días subsiguientes en el campus central de la UNAM, salten a la vista.
Un grupo de estudiantes marcha pacíficamente desde el este del conjunto, aproximándose a la explanada de Rectoría, avanzando desde “las islas”. En pocos minutos la escena se torna violenta pues se da un enfretamiento entre alumnos y grupos de choque, conocidos como “porros”, por lo que el suceso se documenta en fotos y video que se hacen virales en redes sociales. Es en el mismo entorno donde se llevan a cabo conciertos al aire libre, ferias de libros y demás eventos culturales el mismo escenario en el que puños cerrados descargan su furia contra alumnos. ¿Qué implica, pues, esta dialéctica del espacio público como enclave de expresión política y desencuentro en contraste con la convivencia extracurricular?
El conjunto urbano con el casco central de Ciudad Universitaria es reconocido debido al movimento de integración plástica con los elementos arquitectónicos, urbanos y paisajísticos característicos de los postulados del Movimiento Moderno, el éxito del espacio público en las denominadas islas que abarca la explanada de Rectoría así como toda la masa arbórea frente a las Facultades reside en el grado de apropiación por parte de estudiantes como agentes sociales que forjan un sentido de comunidad a través del uso de las áreas verdes como espacio de socialización, ocio e incluso algunas veces para el estudio. Se trata pues, de la creación de una unidad física, moral y pedagógica que permite una fácil comunicación de las diversas escuelas.
Claro que la declararatoria de la UNESCO para el conjunto como patrimonio cultural de la humanidad no le ha valido para atender otras problemáticas enraizadas en la violencia, como son los casos sin resolver de desapariciones, feminicidios y otros delitos que se han inflingido a miembros de la comunidad universitaria, además del latente narcomenudeo, tanto fuera como dentro del conjunto; esto, por supuesto tiene connotaciones sociales y políticas que rebasan por mucho cualquier concepto que parta de lo arquitectónico.
Es interesante, por otra parte, que Le Corbusier, uno de los más distinguidos precursores y exponentes del Movimiento Moderno exaltara a la nueva arquitectura como resultado de la revolución, para él la arquitectura en cierto grado podía cambiar a la sociedad, como lo deja ver en sus obras teóricas Hacia una arquitectura y en Cómo concebir el urbanismo.La expresión artística del campus central de Ciudad Universitaria, con todo, estuvo impregnada de una serie de preceptos que reivindican la lucha por la libertad de pensamiento pues tan sólo un par de décadas atrás, la Constitución de 1934 establecía que la educación impartida por el Estado sería socialista, influencia que sin duda pervive en la obra de los muralistas que participaron con obras artísticas del conjunto.
El uso, por lo tanto, que se le ha dado al campus central es tanto de protesta en una condición totalmente politizada a la vez que se le ha conferido un peso simbólico como semillero de conocimiento, quedando clara la militancia de los jóvenes estudiantes a través de las generaciones que ahí se han formado, esto último lleva a la breve revisión de un evento particular que ha sido materia de estudio, crítica y especulación en las últimas décadas.
En tan sólo un par de días se cumplen 50 años de uno de los eventos que ha marcado la memoria colectiva, una de las expresiones más feroces en la que se acentúo cómo opera el aparato represor del Estado: 2 de octubre de 1968, cuya precuela tiene origen en el famoso Mayo francés, la Primavera de Praga y otras manifestaciones sociales vinculadas a los movimientos estudiantiles. El conmovedor documental dirigido por João Moreira Salles, El intenso ahora (No intenso agora, 2017) genera una serie de reflexiones en las que a manera de ensayo, vierte algunas hipótesis sobre el periodo de agitación política y la efervescencia desencadenada a partir de las desestabilizaciones generadas por estudiantes, así como el halo de intensidad que encontró su clímax en protestas, formación de barricadas y toma del espacio público como manifestación contra los gobiernos oligárquicos y en pro de la democratización de la educación. Si bien el director y guionista, explora la narrativa visual para construir un discurso de índole personal, exhibe al menos, toda la energía contenida en una juventud no conforme con la estructuras sociales impuestas, la “espontaneidad incontrolable” así como lo efímero de la resistencia una vez que se diluyen los esfuerzos tras el cansancio y la precariedad.
¿El ocaso del movimiento del 68?... en una búsqueda por subvertir la estructuras, y a favor de equidad y justicia, al menos 30 mil estudiantes se unieron el 5 de septiembre de 2018 para marchar y exigir la expulsión de quienes sostenían ser alumnos miembros de grupos de choque y que participaron de los hechos violentos días antes en la explanada de Rectoría; tal como marcharon los miembros de una generación antes en 1999 y como lo vuelven a hacer a manera de protesta por la desaparición de 43 Estudiantes de Ayotzinapa en 2014. Es en esta corriente del tiempo en la que no cabe la amnesia histórica, pues el recrudecimiento de la violencia y la corrupción, son catalizadores del hartazgo que encuentra salida en la toma del espacio público, incluso en los que están destinados a la educación y el control.
© Yasunori Shimomura
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Dibujos
© Yasunori Shimomura
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